Durante siglos los artistas han pintado temas musicales como retratos de músicos, músicos interpretando melodías, bailes e instrumentos. Varios artistas visuales han incurrido en el mundo de la música como intérpretes y compositores.

A su vez algunos compositores de música clásica y de jazz han compuesto obras sugerentes de pinturas y estilos de artistas conocidos. Sin embargo no es necesario que la temática sea musical para que la obra visual parezca una sinfonía. En los últimos 100 años, la música ha desempeñado un papel fundamental en el desarrollo estilístico del arte visual. La música se ha convertido en inspiración para aquellos artistas que desean producir una forma de arte pura y trascendental. La música también se ha utilizado como una analogía o metáfora en la expresión artística. Al escuchar música y emularla en su trabajo, los artistas han descubierto técnicas no convencionales en su enfoque artístico. 1

El arte no representacional refleja su relación con la música y con la creencia de que ambos se crean desde las profundidades del yo interior. Partiendo de la base de que la música es abstracta, ya que no hay elementos formales tangibles que la identifiquen con objetos ni con pensamientos reales, su armonía y su belleza prescinden de la realidad que conocemos. Siguiendo esta línea de pensamiento, la forma más pura de expresar el arte es sin imágenes reconocibles. Al aplicar capas y mezclar pintura y crear yuxtaposiciones, los artistas crean composiciones comparadas con partituras musicales. La sinestesia, la percepción de una misma sensación a través de distintos sentidos, demostró ser esencial en el desarrollo del arte abstracto. Ver los sonidos o escuchar los colores ha permitido a los artistas realizar sus creaciones.

Wassily Kandinsky intentó ordenar los colores tonales. En su famoso ensayo de 1912 “Acerca de lo espiritual en el arte”, explicó cómo asociaba ciertos colores con instrumentos particulares. El amarillo se vinculaba con el sonido de la trompeta, el rojo con la tuba y el azul con el chelo, el contrabajo o el órgano. 2

Paul Klee usó polifonía o voces múltiples armonizadas, como modelo para pintar. Utilizando formatos pequeños, Klee representó la naturaleza mediante el uso de gradaciones de color y repeticiones de formas para dar una sensación de desarrollo paralela a la música. 3

Morgan Russell y Stanton Macdonald-Wright ​​ desarrollaron el método de composición del color basado en lo que denominaron los acordes de color derivados del círculo cromático o sincromismo. Macdonald- Wright escribió: "... a medida que la naturaleza se aleja del ojo, se vuelve azul-violeta o violeta, mientras que a medida que avanza, se vuelve más cálida o, en otras palabras, más amarilla o más naranja". Abraham Walkowitz también fue profundamente influenciado por el trabajo de Kandinsky. Decía que "el arte abstracto ... es un lenguaje universal, y habita en el ámbito de la música con emociones equivalentes. Su melodía está en sintonía con el ojo receptivo como la música está en sintonía con el oído". 4

Muchas formas de arte usan términos descriptivos similares en todas las disciplinas artísticas. La música, la pintura, el teatro y la arquitectura usan términos como repetición, variedad, intensidad, ritmo, diálogo, equilibrio, unidad, etc.

Cuando estos elementos se conjugan en una obra de arte, los colores producen vibraciones visuales melódicas y armónicas.

1,2 3 4 – “Painting Music: Rhythm And Movement In Art “, Sharon L. Kennedy Curator at Sheldon Memorial Art